2016년에 올라온 옛날 글 오역 의역 다수
https://pitchfork.com/features/lists-and-guides/9948-the-50-best-ambient-albums-of-all-time/
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"배경음악"이라는 말이 나올 법도 하지만, 이 리스트에는 그런 앨범이 없습니다. 이 앨범들은 분위기를 바꾸고 새로운 세계를 창조한 작품들입니다.
"흥미롭지만 무시해도 좋은 음악." 이것이 1978년 그의 앨범 Ambient 1: Music for Airports의 속지에서 Brian Eno가 내린 앰비언트 음악에 대한 고전적 정의입니다. 그럴 만도 한 것이, Ambient 1: Music for Airports가 발매되기 3년 전 그의 앨범 Discreet Music으로 이 장르를 사실상 창시한 사람이 바로 그였으니까요. 그러나 Eno가 처음 정의한 이 앰비언트 음악의 영역은 그 이후 수십 년 동안 계속해서 널리 인용되었고, 특히 이 단어가 청취자들에게 어떻게 사용되는지에 따라 그 범위가 더 넓어졌습니다. 현재 "앰비언트"라는 단어는 춤출 수 있는 트랙부터 거친 노이즈에 이르기까지 모든 종류의 음악을 묘사하는 데 사용되고 있습니다. 최고의 앰비언트 앨범을 탐색하기 위해 우리는 평론가들에게 좋아하는 앨범을 물어보았고, "앰비언트"란 환경을 조성하는 음악, 즉 편안하거나, 슬프거나, 잊히지 않는 또는 불길한 사운드 구름 같은 음악이라는 가이드를 제공했습니다. 우리는 이 리스트에서 무거운 리듬은 배제하고, 앰비언트 하우스보다는 "떠다니는" 느낌의 음악을 강조했습니다. 또한 특정 아티스트의 모든 앨범이 앰비언트로 분류되는 것은 아니란 점도 고려했습니다. 작가들의 느슨한 기준 해석을 반영하여, 이제 "역대 최고의 앰비언트 앨범 50" 리스트를 공개합니다.
그러나 먼저, 이 리스트에 이름을 올린 한 아티스트의 이야기를 들어보겠습니다.
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The Nameless, Uncarved Block 무명지박 (無名之朴)
By Keith Fullerton Whitman
Keith Fullerton WhitmanPhoto by Lindsay Metivier with Nicole Ginelli
앰비언트는 모든 것의 중심보다는 그 위에 떠 있는, 완벽한 동기화 궤도를 그리며, 손이 닿을 수 있는 곳에 위치한 훌륭한 만남의 지점입니다. 가장 잘 되었을 때, 그것은 외부의 불필요한 것들을 차단하고, 우리의 인식을 변화시켜, 우리가 필요한 곳으로 시간과 공간을 넘어서도록 만듭니다.
Keith Fullerton Whitman은 호주 멜버른에 거주하는 작곡가이자 음악가입니다.
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50.
Deathprod : Morals and Dogma (2004)
다크 앰비언트 음악가들은 장르의 평화롭고 고요한 천상의 소리를 포기하고, 지옥 같은 윙윙거림과 그림자를 선택합니다. 그들은 "이게 공포 영화로 변한다면 어떨까?"라고 생각합니다. 이 스타일은 최근 몇년 간 Demdike Stare와 Haxan Cloak와 같은 아티스트들에 의해 정점을 찍었으며, 그들의 넓은 다이내믹 범위의 질식된, 검게 그을린 드론, 바람 같은 죽음의 신음, 불안하게 울리는 두드림, 그리고 죽은 자의 비명은 1980년대 후반의 포스트 인더스트리얼 장송곡을 연상시킵니다.
Morals and Dogma, 노르웨이 음악가 Helge Sten의 Deathprod로서의 세 번째 솔로 앨범은 과거와 현재를 잇는 위협적인 다리처럼 떠 있습니다. Sten은 자신의 테이프 에코 머신, 테레민, 아날로그 링 모듈레이터 등과 같은 다양한 전자 장비들을 "오디오 바이러스"라고 부르며, 이는 이미 그의 과거 밴드인 Motorpsycho와 Supersilent에서도 감염되어 있었고, 여기서 중심이 되었습니다. 여기서 Sten은 Motorpsycho의 기타리스트이자 바이올리니스트를 초대하여 함께 숨막히는 돌의 풍경(강하고 어두운, 변화하는 음악적 환경)을 신비한 강도로 헤쳐나갑니다. 갑작스럽게 등장하는 징의 소리들이 바이올린으로 드러내어진 오염된 수평선을 깨뜨리지만, 그 속에서도 불안한 노래 같은 감정이 서서히 스며듭니다. 특히 "Dead People’s Things"에서 바이올린이 없이 어두운 동굴 속에서 등장하는 광대한 톱 소리는 매우 절묘합니다. Morals and Dogma는 거칠지 않으면서도 묵직하고, 과장 없이 위협적이며, 세상의 끝을 따라갈 수밖에 없는 거대한 침묵 속에서 떨고 있습니다. – Brian Howe
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49.
Bing & Ruth: Tomorrow Was the Golden Age (2014)
피아니스트 David Moore는 자신의 미니멀리즘 앙상블 이름을 Amy Hempel의 두 페이지짜리 이야기인 Daylight Come에서 따왔습니다. 이 이야기에서 새로 결혼한 미망인과 과부인 Bing과 Ruth는 열대 지역으로 휴가를 떠나며, 그들의 깊은 우울함을 거의 가릴 만큼 과장된 낭만적인 에너지로 즐겁게 지냅니다. 이 이야기는 원초적인 단어들로 조각된 감정적으로 밀도 있는 이야기입니다. Moore는 이 이름을 자신이 음악에 대해 영감을 얻었기 때문에 부분적으로 선택했다고 밝혔습니다. 그는 음악을 쓸 때 동일한 인상주의적 특성을 가지고 싶었고, 그의 그룹의 두 번째 앨범인 Tomorrow Was the Golden Age에서는 동일하게 변화하는 순간들이 가득한 9개의 악장으로 이루어진 서사를 만들어냅니다.
Tomorrow Was the Golden Age의 사운드는 고정되지 않고, 새로운 감정에 빠르게 적응할 수 있습니다. 기쁨에서 고통까지 감정의 변화를 담아냅니다. 이 앨범은 두 개의 클라리넷, 두 개의 베이스, 하나의 첼로, 하나의 피아노, 그리고 테이프 딜레이를 통해 상대적 소박한 구성에서 만들어졌습니다. 이로 인해 음악은 간단하고 인간적인 느낌을 줍니다. "Reflector"와 "Postcard From Brilliant Orange"와 같은 곡들은 모호하고, 동굴처럼 넓게 퍼져 있으며, 감정적입니다. Tomorrow Was the Golden Age는 떠도는 순간을 따라 청자를 둘러싸며, 일상적인 경험의 벽에 붙어 쓴맛과 달콤함이 섞인 정신을 색칠합니다.(예술적 경험이 우리의 감정, 사고, 또는 인식을 변형시키거나 풍부하게 한다) –Kevin Lozano
Listen: Bing & Ruth: “Reflector”
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48.
Ernest Hood: Neighborhoods (1975)
포틀랜드 기타리스트 Ernest Hood는 1950년대와 1960년대 태평양 북서부 재즈 씬에서 활발히 활동했으며, 그의 색소폰 형인 Bill과 함께, 또는 The Way Out 앙상블에서 활동했습니다. 그러나 소아마비에 걸려 더 큰 명성을 얻지 못한 후, 그는 지역 방송에 뛰어들어 KBOO 라디오 설립을 도왔습니다.
1975년, Hood는 그의 유일한 앨범인 Neighborhoods를 녹음하고 직접 발매했습니다. 이 앨범은 Hood의 어린 시절 기억을 떠올리게 하는 음악으로, 고요한 피아노, 가벼운 신디사이저 음향, 민첩한 자이더 연주가 어우러져 흐릅니다. Hood는 이 꿈결 같고 선율적인 앨범에 밤에 울리는 귀뚜라미 소리, 지나가는 폭풍 소리, 아이들의 먼 목소리 같은 필드 레코딩을 섞어 앨범에 또 다른 층을 더합니다. 그 결과 이 앨범은 외부 세계로 열린 창문처럼 들리게 됩니다. Neighborhoods는 뭉게구름처럼 떠가며 지나간 시대의 기억을 불러일으킵니다; 때로는 그리움과 기발함이 교차하는 이 앨범은 한 음악가의 기억을 담은 독특한 비전을 제시하며, 미국의 개인 음반 프레스(소규모 또는 독립적인 레코드 회사가 발매한 음반)에서 중요한 작품으로 남아 있습니다. –Andy Beta
Listen: Ernest Hood: “Gloaming”
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47.
Jon Hassell: Vernal Equinox (1977)
Listen: Jon Hassell: “Vernal Equinox”
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46.
Edgar Froese: Epsilon in Malaysian Pale (1975)
Tangerine Dream의 프론트맨이자 솔로 아티스트로 활동한 Edgar Froese는 자신의 동료인 Kraftwerk와는 달리 클릭하는 리듬과 차가운 정밀함보다 따뜻하고 습한 톤과 파동을 선호했습니다. Tangerine Dream의 음반들이 점점 더 부드럽고 차분해지면서, 그의 첫 번째 솔로 앨범인 Aqua는 물이 끓는 소리와 차가운 음향으로 가득 찼습니다.
1974년 밴드와 함께 투어 중, Froese는 남태평양에서 본 새로운 풍경에 영감을 받았고, 그로 인해 그의 두 번째 앨범인 Epsilon in Malaysian Pale에 수록된 두 개의 서사적인 트랙을 구상하게 되었습니다. 한 면은 호주 Maroubra Bay에서, 다른 한 면은 말레이시아의 밀림을 테마로 했습니다. Mellotron과 합성된 플루트, 호른, 현악기들이 사용되었지만, 이 앨범의 진정한 뛰어난 점은 Froese가 이러한 기술을 완전히 유기적이고 섬세하며 살아 있는 것처럼 엮어내는 능력에 있습니다. – Andy Beta
Listen: Edgar Froese: “Epsilon in Malaysian Pale” (링크가 사라져서 대체)
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45.
Huerco S.: For Those of You Who Have Never (And Also Those Who Have) (2016)
앰비언트 테크노를 만드는 쉬운 방법이 있습니다: 4/4 킥에 하모니를 덧입혀서 날아가게 하고, 그걸로 끝내는 방식입니다. 그리고 정박을 사용하지 않고 패턴, 텍스처, 움직임, 그리고 전반적인 형태를 통해 춤곡을 암시하는 방법을 찾는 어려운 방법도 있습니다. Huerco S.로 알려진 Brian Leeds는 어려운 방법을 선택했으며, 그가 작업하는 장르는 보통 불투명한 경향이 있지만, 그의 음악은 바닥까지 한 눈에 보일 만큼 매우 명확합니다. 그의 뛰어난 앨범 For Those of You Who Have Never (And Also Those Who Have)에서, 캔자스시티의 프로듀서인 Leeds는 테크노를 종이처럼 다루고, 앰비언트 음악을 깨끗한 물 한잔처럼 다루며, 두 가지를 서로 섞고 그것이 흐릿하게 풀어지는 모습을 집중해서 지켜봅니다.
우리는 멀리서 들려오는 아르페지오와 조용히 움직이는 베이스를 듣지만, 드럼은 전혀 들리지 않습니다. 그럼에도, 하나의 드럼이 음악을 통해 퍼져 나가는 듯한 보이지 않는 힘이 느껴집니다. 이 음악에서 하모늄과 칼림바의 음색들이 필터링되어 반복적으로 나아가지만, 절대로 완전히 정형화된 리듬에 맞춰지지는 않습니다. 또한 이는 클럽 음악이 대도시를 넘어 인터넷 포털을 통해 퍼져나가는 현대 시대를 대표합니다. 마치 Leeds가 해안에서 울려 퍼지는 신호의 가장 날카로운 부분들이 미드웨스트로 울려 퍼지는 것처럼 상상한 듯합니다. For Those of You는 그 느낌을 형상화합니다. – Brian Howe
Listen: Huerco S.: “Lifeblood (Naïve Melody)”
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44.
Microstoria: snd (1996)
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43.
Eluvium: Talk Amongst the Trees (2005)
Eluvium의 Matthew Cooper는 Talk Amongst the Trees보다 더 위대한 앨범을 만들게 되지만, 그 앨범들은 결코 앰비언트가 아니었습니다. 나중의 작품들은 벽지 패턴 속에 숨어있기보다는, 방 한가운데로 뛰쳐나가 공기를 빨아들이는 듯한 느낌을 주었습니다. Talk Amongst the Trees는 태평양 북서부의 우울하고 진지한 감성을 Stars of the Lid의 공기 같은 기타 분위기를 통해 걸러내며, Brian Eno와 Robert Fripp의 기초적인 앰비언트 기타 앨범들이 갖고 있는 익숙한 달빛의 기타 연주를 날려버립니다. Cooper는 회전하는 현악기나 한숨을 쉬는 목관악기 없이 어두운 드론의 추상적인 매달린 정원을 제공합니다. 순수한 음과 톤들이 공간 속에서 떠다니며 서로 엇갈려가며 얽히고, 안개처럼 흩어집니다.
이 앨범은 사실 Eluvium의 두 번째 정규 앨범에 불과했지만 (An Accidental Memory in Case of Death는 그냥 빠른 피아노 즉흥곡이었음), 그의 희망적이고 우울한 감정은 이미 빛을 발하고 있었습니다. 이는 이제 포스트-로맨틱 앰비언트 음악의 기초적인 성향을 정의하는 요소가 되었습니다. Cooper는 기타 드론의 편안한 고향을 떠나 클래식 스타일이라는 외롭고 도전적인 영역으로 나아갈 용기를 느낀 세대의 전형적인 인물입니다. Talk Amongst the Trees의 끝없는 접근성과 끝없는 신비함의 균형은 그들이 그랬던 이유를 증명해줍니다. – Brian Howe
Listen: Eluvium: “New Animals From the Air”
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42.
Ekkehard Ehlers: Plays (2002)
재능은 빌리고, 천재는 훔치며, 그다음에는 앨범 Plays처럼 영향의 불안을 일종의 속임수 게임으로 바꾸는 손재주가 있습니다.(예술가가 기존의 영향에서 영감을 얻지만, 그것을 그저 따르는 것이 아니라 자신만의 독특한 방식으로 재구성하는 방식을 설명) 몇몇 경우에는 그 움직임을 따라가기가 충분히 쉽습니다. 앨범의 시작 부분인 ‘Plays Cornelius Cardew’는 자유 음악의 거장인 Cornelius Cardew를 기리며 두 개의 곡의 저음의 울림과 함께 흐르는 듯한 유동적인 소리의 분위기를 들려주고, 앨범의 끝에 있는 ‘Plays Robert Johnson 2’는 앰비언트 형식을 벗어나 최소한의 하우스 트랙으로, 블루스의 전설인 로버트 존슨의 분명한 샘플을 포함하고 있습니다.
그러나 ‘Plays Robert Johnson 1’에서는 그 떨리는 슬라이드 기타의 소리가 샘플링된 것인지 연주된 것인지 구분하기 어렵고, Ehlers의 흐릿한 오마주는 그 이후로 점점 더 불분명해집니다. 두 개의 ‘Plays Albert Ayler’ 트랙은 천천히 긁어내는 첼로 소리와 디지털 글리치로 구성되어, 색소폰 연주자의 큰 목소리를 기리기 위한 것으로 보입니다. ‘Plays Hubert Fichte’ 트랙은 독일 소설가를 암시하며 자유로운 전자-음향 톤으로 깊이 파고듭니다. 앨범의 중심에 자리잡은 두 곡은 John Cassavetes 감독을 주제로 하고 있지만, 그 관계는 여전히 불분명합니다. 그럼에도, 음악적으로 이 곡들은 너무 직관적이어서 그것만으로 충분히 감동을 줍니다. "Plays John Cassavetes 1"은 선명한 윤곽 없이 샘플링된 현악기들로 물결치는 듯한 분위기를 그리고, "Plays John Cassavetes 2"는 비틀즈의 "Goodnight"에서 가져온 두 마디의 현악기 루프를 기반으로 한 곡으로, 해질녘의 넓은 강처럼 느리며 희망적인 감정을 자아내고, 10분 후에는 눈 깜짝할 사이에 사라집니다. –Philip Sherburne
Listen: Ekkehard Ehlers: “Plays John Cassavetes 2” (링크가 사라져서 대체)
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41.
Harold Budd / Brian Eno: The Pearl (1984)
Harold Budd는 드론, 미니멀리즘, 개념적 표기법 등 다양한 고유한 음악적 기법을 사용하는 미국의 작곡가이자 피아니스트로, 자신을 앰비언트 음악가로 여긴 적이 없다고 명확히 밝혔습니다. 그러나, 아마도 그가 불쾌하게 생각할 수도 있지만, 대부분의 사람들은 그를 앰비언트 음악가로 간주합니다. 주로 그가 1980년대 브라이언 Brian Eno와의 협업 덕분인데, 그 대표적인 작품인 The Pearl은 그들이 이전에 발표한 Ambient 2: The Plateaux of Mirror의 후속작으로, Daniel Lanois가 프로듀싱을 맡았습니다. 이 앨범의 제목은 Budd의 "소프트 페달" 피아노 스타일, 즉 천천히 진행되며 지속음(피아노 건반을 누르고 나서 손을 떼지 않으면 소리가 계속 울리는데, 이 음이 울리면서 서서히 사라지는 것)을 흠뻑 머금은 피아노와, 이노의 섬세한 프로세싱이 결합하여 만들어낸 독특한 음색을 완벽하게 설명합니다. Eno의 처리는 악기의 자연스러운 공명을 부드러운 눈의 소용돌이와 녹고 부서지는 얼음의 시트로 변형시킵니다.(Brian Eno가 악기의 자연적인 소리를 전자적인 방법으로 변형시켜, 부드럽고 꿈결 같은 소리나 깨지고 변하는 듯한 소리로 만들어낸다는 것)
Budd의 섬세하게 스며드는 표현력 있는 간격은 갈망을 구현한 듯 흔들리며, 그의 인상주의적인 곡들은 매우 정밀하게 그려집니다. "A Stream With Bright Fish"는 물속을 빠르게 헤엄치는 물고기처럼, "The Silver Ball"은 매끄럽고 둥근 형태처럼, 제목에 맞는 이미지를 생동감 있게 전달합니다. The Pearl의 차가운 우아함, 풍성한 아름다움, 그리고 최면에 가까운 속도는 이후의 모든 포스트-클래식 피아노 앰비언트 음악이 따르도록 만든 플라톤적인 이상을 형성합니다. 이 앨범을 듣는 것은 마치 눈의 결정처럼, 아무 생각 없이 느낄 수 있는 세상으로 후퇴하는 것 같습니다.(복잡한 생각이나 외부의 방해 없이, 오직 감각과 감정을 통해 경험할 수 있는 순수한 상태) –Brian Howe
Listen: Brian Eno & Harold Budd: “A Stream With Bright Fish”
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40.
Max Richter: Sleep (2015)
대부분의 앰비언트 음악은 무의식적 영원을 나타내지만, Mac Richter는 2015년 앨범 Sleep에서 거의 그 경지에 다다릅니다. 이 앨범에서 Richter는 전자 음악과 앰비언트 음악의 경계를 넘나드는 영향력 있는 현대 작곡가로, 신경과학자 David Eagleman과 협력하여 청취자들이 평화롭게 잠에 들 수 있도록 돕기 위해 작업했습니다. 그 결과는 수면 주기와 상호작용하도록 설계된, 조용하고도 장엄한 전자 실내악 음악으로, 물결치는 고조와 완만한 저조를 갖추고 있습니다. 이는 선례가 없는 것은 아닙니다. 아마 Richter는 7시간짜리 수면 음악의 선구자 Robert Rich의 Somnium을 능가하는 8시간 분량을 녹음한 것일 수도 있습니다. 하지만 rich가 꿈의 세계를 덧없이 스며드는 드론과 자연의 소리로 채운 반면, Richter는 다채로운 음색과 형태로 꿈의 세계를 채워 넣어, 깨어 있을 때도 충분히 감상할 수 있을 만큼 생동감 있는 경계적 실내악 음악을 만듭니다.
그러나 앰비언트 음악이 불러일으키는 시간의 큰 흐름 속에서, 8분과 8시간의 차이는 무엇일까요? 생각보다 큰 차이가 있습니다. 아마 여러분은 이 음악을 한 번에 모두 듣지 못할 테니 그 전체적인 생태계를 머릿속에서 정리할 수 없을 것입니다. Sleep은 단순히 길이가 긴 앨범이 아니라, 기능적으로 무한한 음악입니다. 그 들리지 않는 영역의 느낌은 음악의 유한한 선이 보이지 않게 계속해서 이어지는 것처럼 느껴집니다. 이 앨범은 리히터의 다양한 음악적 방식을 요약한 앨범일 뿐만 아니라, 정의로운 앰비언트 앨범으로서, 그 어떤 강렬한 감정이나 무심한 중립성도 담을 수 있는 영원한 매체입니다. –Brian Howe
Listen: Max Richter: “Dream 13” (링크가 사라져서 대체)
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39.
Suzanne Ciani: Buchla Concerts 1975 (1975)
Suzanne Ciani는 1960년대에 발명가 Don Buchla를 만난 후, “[그]는 제게 전자적인 날개를 주었습니다.”라고 말한 바 있습니다. 이 날개는 Buchla 신사이저, 즉 Buchla가 발명한 초기 모듈형 악기였습니다. 이를 통해 Ciani는 1982년의 놀라운 앨범 Seven Waves를 비롯해 그래미 후보에 오른 전자 뉴에이지 앨범을 작곡하고, 에너자이저와 코카콜라와 같은 유명한 TV 광고의 사운드트랙을 제작하며 큰 성공을 거두었습니다. (캔이 터지는 소리? 그것도 그녀의 작품입니다.)
하지만 최근 재발매된 Ciani의 1975년 Buchla concerts 음반은 마법과도 같습니다. 이는 Buchla의 초기 형태와 상호작용하며 어떤 소리가 나왔는지에 대한 중요한 기록입니다. 이 두 공연은 미니멀리스트 작곡가 Phill Niblock의 로프트와 WBAI 프리 뮤직 스토어에서 열렸으며, 강렬한 전환과 속도를 경험할 수 있는 무대입니다. 이 공연들은 이 기이한 신디사이저 악기의 가능성을 강조하며, 대중음악의 기대에 맞지 않으면서도 신속하게 변화하는 사운드를 탐험합니다. Ciani는 신디사이저의 형식과 적응력에 대한 입문을 제공하며, Buchla Concerts는 사람들이 기계에 대해 집착하게 되는 기술적 경외심의 시작을 담고 있는 중요한 문서입니다. –Jenn Pelly
Listen: Suzanne Ciani: “Concert at Phil Niblock’s Loft”
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38.
Biosphere: Substrata (1997)
Geir Jenssen의 90년대 초반 작품들은 서로 반대되는 충동 사이에서 갈팡질팡했습니다. 깊고 감싸 안는 듯한 앰비언트 톤, 날카로운 스퀘어 웨이브 베이스가 돋보이는 불규칙적인 브레이크비트 테크노, 그리고 때로는 그 시절 레이브 플라이어(1980년대 후반부터 1990년대에 걸쳐 유행한 레이브 파티나 클럽 이벤트를 홍보하기 위해 만들어진 전단지나 포스터)에서 볼 수 있는 순수한 눈빛의 SF적인 키치 감성이 그것입니다. 그러나 1997년 Substrata에 이르러, 이 노르웨이 전자 음악가는 가장 대기적인 요소에 집중하며 다른 모든 것을 과감히 배제했습니다.
Substrata의 모델 플라네타리움(천체 투영기)과 아이솔레이션 탱크(외부와 완벽하게 격리된 소금물이 채워진 탱크인데, 이 안에 들어가 자신의 내면에 집중해 과거로도 갔다가 우주로도 갔다가 하는 것이 한때 유행했다) 사이를 오가는데, 플라네타리움에서는 무한한 공간의 환상 속에서 빛나는 추상적 이미지들이 춤추고, 아이솔레이션 탱크에서는 무중력의 어둠이 청취자를 깊은 내면으로 빠져들게 합니다. 높은 하늘을 나는 비행기 소리, 아이들의 웃음소리, 잔잔히 밀려오는 파도 소리 같은 현장 녹음이 더 명확한 음악적 신호들과 교차하며 등장합니다. 예를 들어, 느린 베이스 맥박, 물속에서 울리는 현악기, 그리고 때때로 Cocteau Twins의 맑게 울리는 기타 톤이 연상될 정도의 소리가 그렇습니다. 배경과 전경이 절묘하게 균형을 이루면서, 청취자로 하여금 소리의 내부로 탐험을 떠나게 하며, 자유 연상적 감각의 흐름은 음악의 환각적 잠재력을 어느 장르에서도 거의 발견할 수 없는 순수한 형태로 흘려보냅니다. –Philip Sherburne
Listen: Biosphere: “Poa Alpina”
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37.
Tim Hecker: Virgins (2013)
앰비언트 음악은 형식과 복잡한 관계를 가지고 있습니다. 구조가 너무 뚜렷하고 명백하게 음악적이면, 앰비언트를 벗어나 다른 영역으로 이동하게 되죠. 그렇게 되면 노래, 댄스 트랙, 또는 작곡된 곡이 될 수 있지만, 더 이상 본래 앰비언트의 모습, 즉 정의상 흐릿한 윤곽과 물렁한 중심을 가진 ‘형태 없는 형태’가 아닙니다. Virgins는 이 난제를 정면으로 다룹니다. 이 앨범 이전까지 Tim Hecker의 음악은 대체로 커다란 소리로 포화된 드론에 집중했는데, 이는 소프트웨어 신디사이저를 엄청난 오버드라이브로 돌리거나 교회 오르간 소리를 가상의 블랙 메탈 음향 시스템을 통해 증폭시키는 방식이었습니다. 그러나 Virgins에서 이 캐나다 출신 전자 음악가는 실내악 앙상블을 위한 음악을 작곡한 후, 그 결과물을 리믹스하는 방식으로 접근했습니다.
그 결과물은 그의 이전 작품들과 비교했을 때 작곡된 음악처럼 들립니다. 이전 앨범들은 몇 번의 우기(雨期)를 지나며 땅속에 썩어 있던 테이프에서 추출한 것 같은 느낌을 주었거든요. 그러나 결국 Virgins은 이음새에서부터 분해되며, 음악은 불안정한 상태로 남아 마치 끓는 물처럼 에너지가 사라집니다. 고전적 미니멀리즘의 영향이 느껴지지만, 불투명한 메아리와 테이프를 거꾸로 재생한 듯한 어두운 흔적들이 이를 상쇄하며, 어떤 멜로디도 Hecker의 블랙홀 같은 페달 톤의 강력한 중력을 벗어날 수 없게 만듭니다. 이 음악은 사건의 지평선(내부에서 일어난 사건이 외부에 아무 영향도 미치지 않게 되는 경계면)과도 같은 앰비언트 음악입니다. –Philip Sherburne
Listen: Tim Hecker, “Live Room”
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36.
Windy & Carl: Depths (1998)
Stars of the Lid와 함께, Windy & Carl은 1990년대 드론 음악 씬에서 중요한 역할을 했습니다. 그들은 처음에는 수제 테이프를 발매하고, Ptolemaic Terrascope 같은 지인들 사이에서 음악을 판매하며 논의했습니다. (또한, 미시간 주 디어본에 위치한 Stormy Records에서 그들이 운영한 가게를 통해 음악을 팔기도 했습니다.) 그들은 미시간의 스페이스 록 씬과 느슨하게 연결되어 있었지만, 윈디 앤 칼의 음악은 Füxa나 Alison’s Halo와 같은 밴드들이 더 곡 중심적인 접근을 취하는 것과 달리, 떠도는 듯한 분위기와 지속적인 기분에 초점을 맞추었습니다. Windy & Carl의 음악은 가려진 팝송을 둘러 빛의 고리와 같습니다. 마치 그들이 가장 좋아하는 4AD의 아티스트들(Cocteau Twins, Slowdive)의 사운드를 가져와, 그들만의 왜곡과 피드백이 깃든 가장자리를 제외한 모든 것을 지운 듯한 느낌을 줍니다. SOTL처럼, Windy & Carl도 처음에는 자신들이 직접 만든 4트랙 녹음을 사용했으며, Kranky 레코드사와 계약을 맺고, 클래식한 드론 앨범들을 발표했습니다. 그들의 1998년 앨범 Depths는 그들의 음악 스타일에서 절정에 달한 작품으로, 편안한 윙윙 소리와 그 아래에 깔린 불안감을 자아내는 으스스한 소음의 완벽한 균형을 이뤘습니다. –Mark Richardson
Listen: Windy & Carl: “Set Adrift”
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35.
Laraaji: Ambient 3: Day of Radiance (1980)
뜻밖의 행운이 만연했던 어느 날, Brian Eno는 뉴욕의 워싱턴 스퀘어 공원에서 Laraaji가 자명종처럼 울리는 오토하프를 연주하는 모습을 보고, 그의 거리 공연 모자에 쪽지를 넣어 음반을 함께 만들자고 제안했습니다. 본명은 Edward Larry Gordon인 배우 - 음악가 Laraaji는 이미 1978년 Celestial Vibration 앨범을 발표하고, 전기화된 치터와 해머드 덜시머 같은 악기들을 사용해 몇 년 동안 우주 음악의 개념을 탐구해왔습니다. 그는 이러한 금속으로 된 악기들이 트랜스 상태(무언가에 강하게 집중해 정신이 오로지 거기에 집중한 상태)를 유도하고, 자아의 경계를 허물며, 시간의 얽매임을 풀어준다고 믿었습니다.(반복적이고 연속적인 소리를 통해 시간의 흐름을 잊게 하고, 마치 시간이 멈춘 듯한 느낌을 받게 하면서 과거와 미래에 대한 걱정 없이 순간의 경험에 집중하게 한다는 의미)
Day of Radiance의 A사이드가 정확히 편안한 음악이라고 할 수는 없지만, “The Dance”는 마치 거의 고통스러울 정도로 밝은 빛으로 마음을 가득 채웁니다. 하지만 앨범의 B사이드에 있는 “Meditation”의 두 부분은 서서히 펼쳐지는 반짝이는 텍스처를 천천히 쌓아가며 부드럽게 풀어집니다. Radiance는 Laraaji의 경력에서 정점을 찍은 작품이었고, 그의 가장 넓은 청중에게 다가갔지만, 그는 이후에도 Flow Goes the Universe 같은 멋진 앨범들을 많이 발표했습니다(이 앨범은 Eno의 후속 레이블인 All Saints에서 발매되었습니다). Laraaji의 또 다른 주요 직업이 웃음 치료사라는 사실은, Radiance가 단순히 음악적 작품을 넘어서는 실용적이고 신비적인 더 높은 목적을 가지고 있음을 일깨워줍니다. 이는 치유와 온전함을 위한 음악입니다. –Simon Reynolds
Listen: Laraaji: “Meditation #2”
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34.
Charlemagne Palestine: Four Manifestations on Six Elements (1974)
키보디스트이자 작곡가인 Charlemagne Palestine의 더블 LP는 현대 미술 갤러리 공간을 모방하여 구상되었습니다. 이 더블 LP의 네 면이 마치 미술 갤러리의 네 벽처럼 각각 다른 공간을 형성하며, 각 벽 앞에서 청취자는 톤의 배열을 관찰하고 탐색할 수 있습니다. 곡의 제목은 우리가 듣고 있는 음악적 간격(또는 "요소")을 나타냅니다. 앨범의 A사이드 오르간으로 연주된 드론 작품인 “Two Perfect Fifths, a Major Third Apart, Reinforced Twice”입니다. 처음 들었을 때는 전혀 변하지 않는 것처럼 보이지만, 연주의 다이나믹(음량의 대조를 통해서 다양한 정서를 표현하는 방법)이 오버드라이브에서 부드러운 표현으로 변화하면서, 여행을 떠나는 듯한 느낌이 듭니다.
B사이드에서는 Palestine이 어쿠스틱 악기로 이동하여, "One + Two + Three Perfect Fifths in the Rhythm Three Against Two, For Bösendorfer Piano"라는 세 개의 악장으로 이루어진 선율적인 여행을 만듭니다. (페달을 사용하는 방식이 이 연주를 특히 기억에 남게 합니다.) C사이드에서는 Palestine이 그의 다른 앨범인“strumming music” 에서 사용한 기법들을 채택합니다. 그리고 작곡가의 다양한 세계를 탐험하는 갤러리 여행은 또 다른 오르간 드론의 지속적인 텍스처를 살피는 작품으로 마무리됩니다. –Seth Colter Walls
Listen: Charlemagne Palestine, "Two Fifths"
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33.
Steve Roach: Structures from Silence (1984)
1970년대 초, Klaus Schulze와 Tangerine Dream에 영감을 받은 캘리포니아 사막의 모토크로스 레이서 Steve Roach는 고회전형 엔진의 경력에서 벗어나 신디사이저를 배우기 시작했습니다. 그는 이후 뉴에이지 음악의 대표적인 미국 아티스트 중 한 명이 되었으며, 그의 음악에서 침묵과 시간의 정지를 추구하는 작업을 계속하고 있습니다. 그는 1984년의 걸작 Structures From Silence의 표지에 이렇게 썼습니다. "저에게 이 음악의 본질은 끝났을 때 느껴지는 감정, 즉 침묵으로 돌아가는 것입니다."
Structures를 구성하는 세 개의 확장된 작품은 바로 그런 고요함에서 출발합니다. 반복되는 루프와 부드러운 선율의 구절들이 하늘로 솟구치며 광활한 경치를 드러냅니다. 몇 가지 순환하는 요소와 떠다니는 화음만으로, "Reflections in Suspension"과 "Quiet Friend"는 평화로운 고요함을 발산하며, 타이틀 트랙은 30분에 걸쳐 묵상하는 듯한 기쁨을 주는, 부드럽게 울리는 드론과 반짝이며 사라지는 고음으로 가득 찬 곡입니다. 사막의 신기루처럼, 이 구조물들은 지평선에서 영원히 떠 있으며, 그 주변의 소음에서 벗어난 오아시스를 제공합니다.(Roach의 음악이 일상적인 소음과 혼잡한 환경에서 벗어나, 고요하고 평화로운 세계로 인도하는 역할을 한다는 의미) –Andy Beta
Listen: Steve Roach: “Reflections in Suspension” (소리가 안들려서 대체)
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32.
Marian Zazeela / La Monte Young: The Tamburas of Pandit Pran Nath (An Homage) (1999)
La Monte Young은 서양 클래식 미니멀리즘의 창시자 중 한 명으로, 그의 "드론 상태의 마음"(외부 세계의 자극에서 벗어나, 내면의 고요함과 집중 상태에 빠지는 것) 개념을 추구하는 모습을 자주 들을 수 있습니다. 그는 자신의 블루스 밴드나 실내 앙상블 버전에서도 이 개념을 구현합니다. The Tamburas of Pandit Pran Nath (An Homage)는 주로 드론 앨범이며, 꿈같은 명상에 적합한 최고의 앨범 중 하나입니다. (다행히도, 그의 다른 복잡한 작품들인 The Well-Tuned Piano 81 X 25 6:17:50 - 11:1859 PM NYC와 The Second Dream of the High-Tension Line Stepdown Transformer From the Four Dreams of China와는 달리 현재도 발매되어 판매되고 있습니다.) 이 앨범은 1982년 버전의 그와 그의 파트너 Zazeela가 함께한, 그들의 계속 진행 중인 혼합 미디어 설치 작품인 "Dream House" 안에서 연주된 것으로, 두 대의 탐부라에서 연주된 세 개의 음을 특징으로 합니다. 이들은 그들의 스승인 Pandit Pran Nath와 함께 힌두스탄 보컬 음악의 느린 키라나 스타일(느리고 점진적인 발전을 특징)을 연주할 때 연주했던 음들입니다.
탐부라는 Nath가 디자인한 악기로, Young과 Zazeela가 연주하는 악기들 간의 완벽하게 맞춰진 조율 덕분에, 두 악기의 배음은 끊임없이 이어지는 드론 속에서 놀라운 다양한 효과를 만들어냅니다. 제한된 화음 범위에서 멜로디 패턴과 비트가 유령처럼 떠오르며, 가끔은 뉴욕시의 오토바이 소리가 그들의 "Dream House" 밖의 "실제 세계"의 유일한 흔적으로 들립니다.("Dream House" 내에서는 음악과 명상적인 공간이 지배적이지만, 때때로 외부 세계의 소리가 이 공간에 침투하는 모습을 묘사) 이 앨범은 순수한 의도가 너무나 정제되어 있어서 (복잡함을 최소화하고 단순하면서도 깊이 있는 경험을 전달하려는 그들의 의도가 매우 분명하게 드러난다는 뜻) , Young과 Zazeela의 라가에 영향을 받은 노래 공연의 배경 음악으로도 사용되며, Tamburas는 그 자체로도 강력하고 인상적인 감상을 제공합니다.
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31.
Ashra: New Age of Earth (1976)
1975년, Inventions for Electric Guitar라는 앨범이 등장했는데, 이는 크라우트록 전설 Ash Ra Tempel과 그들의 리더이자 기타리스트인 Manuel Göttsching의 이름을 내세운 앨범이었습니다. 이 앨범은 엄밀히 말해 마지막 Ash Ra Tempel 앨범(Göttsching 혼자 참여한 Starring Rosi, 1973)이 아니었고, 그의 본격적인 솔로 데뷔작(E2-E4, 1984)도 아니었습니다. 음악 역시 두 세계를 오가며, 코즈믹 블루스에 영감을 받은 기타 솔로와 Terry Riley 스타일의 정밀한 미니멀리즘을 혼합했습니다.
Inventions를 통해 Göttsching은 복잡한 기악 편곡의 뛰어난 설계자로 자신을 알렸습니다. 1976년, Ashra라는 이름으로 솔로 앨범 New Age of Earth를 발표했을 때, 그는 천천히 분위기를 변화시키는 데에도 탁월함을 증명했습니다. 기타 연주를 배경으로 물리고 신디사이저에 집중하며, Göttsching은 새로운 형태의 스페이스 음악을 창조합니다. 이 음악은 우주를 여행하는 느낌보다는 다른 행성에서 존재를 사색하며 명상하는 느낌을 전달합니다. –Mark Richardson
Listen: Ashra: “Deep Distance”
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30.
Julianna Barwick: The Magic Place (2011)
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29.
David Behrman: On the Other Ocean (1977)
우리의 주머니에 마이크로프로세서가 들어 있고 수많은 시간을 컴퓨터 앞에서 보내면서, 인간의 사회적 상호작용이 줄어들고 소외감이 커지는 것을 우려하는 사람들이 많습니다. 새로운 음악 작곡가인 David Behrman의 데뷔작 On the Other Ocean은 인간과 컴퓨터가 어떻게 상호 작용하여 따뜻하고 천상의 소리를 만들어낼 수 있는지를 보여주는 대답입니다. 이 작품은 Behrman이 처음으로 인간과 기계 간의 상호작용을 시도한 작품으로, 플루트 연주자 Maggi Payne과 바순 연주자 Arthur Stidfole이 여섯 개의 음 사이를 천천히 오가며 연주하는 동안, 이를 Behrman의 KIM-1(Apple II의 전신이자 초기 개인용 컴퓨터 중 하나)이 감지하고 음정을 맞추어 조화를 이룹니다. 곡 중 하나인 “Figure in a Clearing”에서는 첼로와 컴퓨터 제어 신디사이저가 짝을 이루어 연주합니다. 그 결과는 매우 아름답고 몰입감을 주며, 솔로 연주자와 마이크로컴퓨터가 서두르지 않고 어우러지면서 달콤한 음색이 흘러나오는 가운데 시간은 녹아내리는 듯한 느낌을 줍니다. –Andy Beta
Listen: David Behrman: “On the Other Ocean”
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28.
Pauline Oliveros: Accordion and Voice (1982)
이 앨범의 커버에는 Pauline Oliveros의 발치에 앉아 있는, 행복에 겨운 작은 털북숭이 강아지가 있습니다. 혀를 내밀고 눈을 가늘게 뜬 모습으로 보아, 아마도 그녀가 허벅지에 올려놓은 거대한 아코디언을 연주하는 소리를 듣고 황홀경에 빠진 듯합니다. 배경은 오려 붙인 듯한 산의 풍경이고, 세상은 오직 둘로 축소되어 즐겁게 음악을 만드는 행복한 하루를 보내고 있는 모습입니다. 나도 그곳에 당장 가고 싶네요. 그때까지는 Accordion and Voice를 들으며 이 강아지가 느끼는 평온함을 찾아봐야겠어요.
제목이 드러내는 그대로, 이 앨범은 Oliveros의 정수를 담은 녹음으로, 각각 20분 길이의 부드러운 톤으로 이루어진 두 곡이 수록되어 있습니다. “Horse Sings From Cloud”는 간결하고 느리게 진행되는 라가처럼 들립니다. “Rattlesnake Mountain”은 조금 더 애잔한 느낌으로 보컬이 거의 없으며, 폴카에서 사용되는 아코디언 소리와 비슷한 소리가 나는데, 공기가 느리게 움직이는 기본적인 흐름만 있을 뿐 거의 방해가 없습니다.(다른 복잡한 음색이나 빠른 리듬으로 꾸미지 않고, 단순하고 차분한 음색으로 공기가 흐르는 느낌) Oliveros는 간혹 빠른 리프를 넣기도 하지만, 대부분은 아코디언의 바람통을 천천히 안팎으로 밀고 당기며, 커다란 아코디언이 깊은 숨을 한 번씩 들이쉬고 내쉬는 듯한 연주를 합니다. 그녀의 연주는 자연 세계의 연장선처럼 느껴지며, 이를 해석하려고 만들어진 무언가가 아닌 것 같습니다. –Matthew Schnipper
Listen: Pauline Oliveros: “Rattlesnake Mountain” (링크가 사라져서 대체)
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27.
Oneohtrix Point Never: Rifts (2009)
2007년과 2008년에 Daniel Lopatin의 초기 앨범들이 처음 발매되었을 때, 그 사운드가 얼마나 혁신적이었는지 지금은 잊기 쉽습니다. 2009년에 Rifts가 발표되었을 때, 이는 Oneohtrix Point Never의 초기 LP와 컴필레이션 트랙들을 모은 앨범으로, DIY 전자음악 씬은 대체로 지옥 같은 주파수와 높은 데시벨에 집중하고 있었습니다. 하지만 OPN은 70년대 독일 전자음악에서 영감을 받은 애절한 음색과 함께, 뉴에이지와 상업적이고 대중적 음악을 결합한 형태로 탈출구를 제시했습니다. 그의 혁신적인 접근법은 음량을 낮추고 음색을 부드럽게 만드는 것으로, 클래식 롤랜드 신디사이저인 Juno 106의 텅 빈 웅웅거림을 강조하고, 뼈대만 남은 아르페지오와 위엄 있는 열린 완전 5도를 부각시키는 것이었습니다. 이 모든 것은 불쾌하고 형광빛이 나는 듯한 빛으로 물들여져 있었습니다.
차갑고 멀리 떨어져 있으며 틀림없이 애처로우며 약물에 취한듯한 드론과 눈물샘을 자극하는 슬픔이 균형을 이루는 Rifts는 가장 순수한 공상 과학적 낭만주의의 3시간 분량입니다. (힘든 시기나 고통을 지나고 회복하는 과정에서, "Hyperdawn"만큼 좋은 동반자는 없습니다.) Lopatin은 이후 더 야심찬 음악을 만들었지만, 그 어떤 작품도 이 앨범처럼 오전 4시, 눈은 흐릿하고, 신경은 예민하며(정신적으로 혼란스럽고 피곤한 상태를 의미), William Gibson의 소설처럼 디스토피아적인 분위기를 정확하게 포착하지 못했습니다.
Listen: Oneohtrix Point Never: “Hyperdawn” (링크가 사라져서 대체)
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26.
Iasos: Inter-Dimensional Music (1975)
Iasos의 우주는 빛, 만다라, 차크라, 무지개, 천국, 천사들의 이미지로 가득 차 있습니다. (그는 심지어 그의 웹사이트에서 소파 크기의 크리스탈을 판매하기도 합니다.) 그러나 그리스 태생의 소살리토 기반 작곡가인 Iasos의 음악적 비전은 단순히 분류될 수 없습니다. 그는 불교 철학자 Alan Watts와 건축가 R. Buckminster Fuller에게도 찬사를 받습니다.
뉴에이지 음악의 탄생은 Iasos의 첫 앨범인 Inter-Dimensional Music에서 시작된다고 볼 수 있으며, 이는 Brian Eno의 Discreet Music과 Steven halpern의 첫 앨범이 나온 해와 동일합니다. 그는 자신을 '예술가'라기보다 영혼들이 이 지구의 평면에서 진동을 전달하는 '그릇'으로 자처했습니다.(음악을 창작할 때 자신이 단순히 자신의 아이디어나 감정을 표현하는 주체가 아니라, 영적인 존재들이나 에너지의 통로 역할을 한다고 생각한다는 의미) "Rainbow Canyon"과 "Cloud Prayer"와 같은 명상 음악은 죽음에 가까운 사람들뿐만 아니라 깨어 있는 사람들에게도 편안하고 평화로운 느낌을 줍니다. 놀라운 점은 플리머스 주립대학교의 심리학부가 근사한 사망 경험을 한 환자들을 연구했을 때, Iasos의 음악이 그들이 경험한 일시적인 사후 세계와 가장 유사하다는 것을 발견했다는 것입니다. –Andy Beta
Listen: Iasos: “Cloud Prayer”
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25.
Folke Rabe: What?? (1967)
Folke Rabe의 What??는 두 개의 사인파가 지속적으로 거의 일치하는 소리로 시작합니다. 이 곡을 간단히 들으면 그저 거기서 더 이상 진행되지 않는 것처럼 느껴질 수 있습니다. 1967년에 작곡된 이 26분짜리 작품은 서양 클래식 음이나 대중가요의 특징을 거의 전혀 가지고 있지 않습니다. 멜로디도, 리듬도, 기본적으로 어떤 음도 없습니다. 대신, 이 스웨덴 작곡가의 극단적으로 미니멀한 명작은 소리의 기계적 구조 안으로 들어가려는 시도를 나타냅니다. Rabe는 이를 “소리 속으로 '들어가' 그들을 구성하는 요소들을 파악하려는 시도”라고 설명한 바 있습니다. 음들 사이의 미세한 음조 차이가 새로운 배음을 만들어내며, 처음에는 하나의 지속적인 음으로 시작되지만 곧 코드로 나누어지고 울렁거리는 소리의 폭발적인 장이 됩니다.
듣는 경험은 마치 평범한 흰색 불빛으로 보이는 화면을 응시하는 것 같지만, 그 안에 모든 색깔의 무지개가 존재할 뿐만 아니라 서로 충돌하고 있다는 것을 깨닫게 되는 느낌입니다. 처음에는 중립적이고 고요해 보이는 것이 점차 거칠고 다루기 힘든, 완전한 스펙트럼의 정신적 혼란이 되며, 더 깊이 들을수록 그 강도가 커집니다. 변화가 너무 천천히 진행되어 듣는 이가 그 변화를 감지하기도, 전체 구조를 이해하기도 어렵고, 시간이 흐르는 방식에 대해 극단적으로 다른 감각을 강요하는 듯한 환각적인 느낌을 줍니다. –Philip Sherburne
Listen: Folke Rabe: “What??”
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